이 글은 월간미술 웹사이트에 2026년 3월 게시된「피칭의 기술 ⑤」중 김유정 예술경영지원센터 예술경제지원본부장 인터뷰를 바탕으로, 현행 예술창업 지원정책이 순수미술 영역에서 어떤 의미와 한계를 갖는지 살펴보려는 글이다.
 
이 글이 다루는 대상은 예술 전체가 아니다. 공연, 음악, 문학, 디자인, 대중문화, 콘텐츠 산업, 문화기술, 지역 문화사업은 각각 다른 생산 구조와 유통 방식, 지원 논리를 갖는다. 이 글이 살펴보려는 영역은 공공지원정책 안에서 다뤄지는 순수미술, 그중에서도 한국 동시대 미술의 생산과 유통, 기록과 세계화에 관한 지원정책이다. 

들어가며
 
순수미술은 사회와 시장, 제도와 관계를 맺지만, 그 존재 방식은 단순한 상품 생산이나 서비스 제공으로 환원되지 않는다. 작가는 특정 고객의 수요를 충족시키기 위해 작품을 제작하는 사람이 아니며, 작품은 기능적 효용을 제공하기 위해 만들어지는 제품도 아니다. 순수미술의 작품은 작가의 감각, 사유, 형식, 개념, 태도, 시간의 축적을 통해 형성되는 미학적 생산이다.
 
따라서 순수미술 지원정책을 논할 때 가장 먼저 확인해야 할 것은 예술과 예술가의 자기목적성이다. 예술가는 외부 목적을 수행하기 위해 존재하는 사람이 아니다. 예술가는 세계를 해석하고, 감각을 조직하고, 개념을 만들고, 형식을 발명하며, 시대의 문제를 다른 방식으로 가시화하는 사람이다. 작품은 시장에서 거래될 수 있지만, 작품의 발생 원리가 시장 수요에 종속되는 것은 아니다.
 
이 전제가 흐려질 때 미술지원정책은 쉽게 다른 방향으로 이동할 수 있다. 지원정책은 작가와 작품이 성장할 수 있는 기반을 만드는 대신, 작가에게 고객, 시장, 피칭, 매출, 콘텐츠, 서비스의 언어를 우선적으로 요구하게 된다. 이때 미술지원정책은 미술을 지원하는 정책이라기보다, 미술가와 미술 생산집단을 상업화 가능한 생산 단위로 해석하는 방향에 가까워진다. 이 글은 바로 그 지점을 검토하고자 한다.
 
 
아티스트는 기업가가 아니다
 
“예술창업 지원사업이 시작된 배경에는 예술시장의 구조적 변화와 그에 따른 역할 변화의 요구가 있다.”
 
아티스트는 기업가가 아니다. 이 문장은 예술과 시장의 관계를 부정하기 위한 말이 아니다. 미술품이 시장에서 거래될 수 있다는 현실을 외면하기 위한 말도 아니다. 이 문장은 미술품의 시장 거래 가능성과 미술가의 상품 생산자화를 구분하기 위한 최소한의 원칙이다.
 
미술품은 시장에서 상품처럼 거래될 수 있다. 회화, 조각, 사진, 설치, 영상, 판화, 에디션, 출판물, 이미지 사용권은 실제로 가격을 갖고 유통된다. 그러나 미술품이 시장에서 거래된다는 사실이 곧 미술가에게 상품을 만들라고 요구할 수 있다는 뜻은 아니다.
 
자본주의와 상업주의는 미술품을 시장 안에서 상품화한다. 그러나 공공 미술지원정책은 미술가를 상품 생산자로 훈련시키는 데 그 목적을 두어서는 안 된다. 미술가는 상품을 만들기 위해 존재하는 사람이 아니라, 작품을 통해 세계를 해석하고 자신의 미학적 형식을 구축하는 사람이다.
 
중요한 것은 미술품의 상품화 가능성과 미술가의 역할을 구분하는 일이다. 이 구분이 흐려질 때 정책 언어는 미술가를 작가가 아니라 상품 생산자에 가까운 존재로 이해하게 된다.
 
 
미술지원과 미술상품화 지원은 다르다
 
“최근 예술 활동은 전시나 공연 중심의 단일 구조를 넘어 기획, 제작, 유통, 교육, 기술 협업, 콘텐츠 개발 등 다양한 기능이 결합되는 형태로 확장되고 있다.”
 
이 진단은 오늘날 예술 활동의 변화된 조건을 일정 부분 반영한다. 동시대 미술은 전시장 안에서만 작동하지 않는다. 기획, 제작, 유통, 교육, 기술, 콘텐츠, 플랫폼, 지역 기반 프로젝트, 기업 협업 등 여러 영역과 결합하며 확장되고 있다. 이러한 변화 자체를 부정할 이유는 없다.
 
그러나 여기에는 중요한 질문이 따른다. 미술 활동이 확장되고 있다면, 그 확장의 중심에는 무엇이 있어야 하는가. 작가의 작업 세계인가, 작품의 개념과 형식인가, 전시와 비평의 축적인가, 아니면 기획·유통·협업·콘텐츠 개발의 기능인가.
 
미술지원과 미술상품화 지원은 다르다. 미술지원은 작가와 작품이 장기적으로 성장할 수 있는 생산 기반을 구축하는 일이다. 작품 제작, 전시, 비평, 아카이브, 작품 데이터, 전시 기록, 작가론, 번역, 국제 배포 구조가 여기에 포함된다.
 
반면 미술상품화 지원은 다른 차원의 문제다. 작가의 작품에서 파생되는 이미지, 개념, 조형 언어, 세계관, 서사, 아카이브를 출판, 교육, 라이선싱, 디지털 콘텐츠, 브랜드 협업, 공간 프로젝트 등으로 확장하는 일은 가능하다. 그러나 그것은 작품 자체를 단순 상품으로 환원하는 방식이 아니라, 작품의 개념과 가치가 훼손되지 않는 범위 안에서 다양한 문화적·산업적 활용 가능성을 설계하는 일이어야 한다.
 
이 구분이 흐려지면 미술지원정책은 미술가와 미술 생산집단을 상업화 가능한 생산 단위로 해석하기 쉽다. 한국 동시대 미술 지원정책이 보다 정교해지기 위해서는 이 차이를 분명히 인식할 필요가 있다.
 
 
창업의 언어가 미술의 언어를 대체할 때
 
“정책을 수행하는 기관의 입장에서 예술창업 지원사업의 핵심 목표는 예술시장의 전문화, 조직화, 분업화를 통해 시장의 양적·질적 성장을 유도하는 것이다.”
 
이 문장은 현행 지원정책의 방향을 분명하게 보여준다. 전문화, 조직화, 분업화라는 말은 그 자체로 필요해 보인다. 그러나 여기서 말하는 전문화는 미술의 전문화라기보다 시장 구조의 전문화에 가깝다. 기획, 제작, 유통, 협업을 담당하는 조직을 만들고, 예술기업을 성장시키고, 시장 안에서 작동 가능한 구조를 만드는 데 초점이 놓여 있다.
 
동시대 미술에서 전문화란 시장 참여 주체가 늘어나고 역할이 나뉘는 것만을 의미하지 않는다. 더 근본적인 전문화는 작가 연구의 전문화, 작품 데이터 관리의 전문화, 전시 기록의 전문화, 비평 생산의 전문화, 번역과 국제 배포의 전문화에서 시작된다. 시장의 전문화 이전에 미술의 전문화가 있어야 한다.
 
정책은 예술시장을 전문화하겠다고 말하지만, 정작 미술적 가치가 생산되고 판단되고 축적되는 구조를 먼저 만들지는 않는다. 시장은 미술의 가치를 유통할 수는 있지만, 미술의 가치를 처음부터 생산하는 기준이 될 수는 없다. 공공지원정책은 시장 이후의 확산 장치에 머물기보다, 시장 이전의 가치 판단과 기록의 구조를 함께 구축해야 한다.
 
창업의 언어가 미술의 언어를 대체할 때, 미술은 창작과 비평의 장이 아니라 사업화와 확장의 대상으로 축소될 수 있다. 따라서 필요한 것은 창업 언어의 배제가 아니라, 그것이 미술의 중심 언어를 대신하지 않도록 균형을 조정하는 일이다.
 
 
비즈니스 언어는 보조 언어일 뿐이다
 
“예술 아이디어를 ‘비즈니스 언어’로 치환한다는 것은 예술을 상업적인 논리로 바꾸는 것이 아니라 기업이 어떤 가치를 만들어내고 그것을 누구에게 어떤 방식으로 제공할 것인지 명확하게 설명하는 과정이라고 볼 수 있다.”
 
이 대목은 이번 인터뷰에서 중요한 비평 지점이다. 예술 아이디어를 비즈니스 언어로 설명하는 일은 지원사업이나 협업 제안 과정에서 필요할 수 있다. 제안서를 쓰고, 파트너를 설득하고, 사업 구조를 설명해야 하는 상황에서 상대가 이해할 수 있는 언어를 사용하는 것은 현실적으로 필요하다.
 
그러나 비즈니스 언어는 예술을 설명하기 위한 보조 언어일 수는 있어도, 예술의 중심 언어가 되어서는 안 된다. 작가의 문제의식, 작품의 형식, 매체적 실험, 전시 맥락, 미술사적 참조, 비평적 위치가 사라진 상태에서 고객, 시장, 솔루션, 매출 구조, 가격 정책, 유통 방식만 남는다면, 그것은 예술의 번역이라기보다 예술의 축소에 가까워진다.
 
작품이 가격을 갖는다는 사실과 작가가 시장을 위해 상품을 만들어야 한다는 요구는 구분되어야 한다. 이 구분이 흐려지면 예술지원정책은 예술가에게 자신의 작업을 사업 모델로 번역하라고 요구하게 된다. 작품은 고객 경험을 개선하는 솔루션이 되고, 작가는 피칭을 통해 자신의 작업을 판매 가능한 콘텐츠로 설명해야 하는 사람이 된다.
 
예술이 필요한 이유는 그것이 상품이 될 수 있어서가 아니다. 예술은 상품으로 환원되지 않는 감각과 사유를 생산하기 때문에 필요하다. 비즈니스 언어는 이 지점을 설명하는 보조 도구가 될 수 있지만, 예술의 존재 이유를 대체할 수는 없다.
 
 
작품은 콘텐츠나 서비스로만 설명될 수 없다
 
“중요한 것은 이러한 흐름 속에서 자신의 콘텐츠나 서비스가 어떤 의미를 가지는지 분명히 제시하는 것이다.”
 
여기서 예술은 콘텐츠나 서비스의 언어로 설명된다. 콘텐츠와 서비스는 오늘날 예술의 확장 영역에서 필요한 개념일 수 있다. 그러나 동시대 미술을 콘텐츠와 서비스로만 설명하는 순간, 작품의 고유한 미학적 구조는 쉽게 사라진다.

미술작품은 반드시 고객에게 제공되는 서비스가 아니다. 어떤 작품은 불편한 질문을 던지고, 어떤 전시는 즉각적인 효용보다 느린 사유를 요구하며, 어떤 작가의 작업은 시장 반응과 무관하게 긴 시간 속에서 의미를 형성한다. 동시대 미술은 소비자의 요구에 맞춰 설계되는 상품이 아니라, 감각과 사유의 새로운 조건을 생산하는 장이다.
 
공공지원정책이 작품을 콘텐츠와 서비스의 언어로만 이해하면 작업의 개념, 형식, 매체, 비평적 위치보다 고객, 솔루션, 가치 제안, 매출 구조가 앞서게 된다. 그 결과 예술의 고유한 시간과 판단은 약화되고, 예술은 지원사업에 적합한 설명 가능한 상품 단위로 변환된다.
 
미술지원정책은 작품을 콘텐츠로 가공하기 전에 작품을 작품으로 읽어야 한다. 작가의 작업 세계를 분석하고, 전시를 기록하고, 비평을 생산하고, 작가 자료를 국제적으로 접근 가능한 형태로 정리해야 한다. 콘텐츠 확산은 이 기반 위에서 의미를 갖는다.
 
 
예술기업의 성장과 좋은 미술의 성장은 같은 것이 아니다
 
“창업도약 지원사업에서 기관이 중요하게 보는 평가는 크게 두 가지 축으로 이루어진다. 하나는 해당 기업의 성장이 예술 생태계에 어떤 방식으로 기여할 수 있는가에 대한 부분이다.”
 
이 문장은 중요한 질문을 낳는다. 예술기업이 성장하면 미술도 성장하는가. 중간 조직이 늘어나면 작가의 작업 세계가 깊어지는가. 사업 모델이 고도화되면 좋은 작품이 더 많이 생산되는가. 피칭 역량이 강화되면 비평과 아카이브도 강화되는가.
 
이 질문에 대한 답은 자동으로 주어지지 않는다. 예술기업의 성장과 동시대 미술의 성장은 연결될 수 있지만, 같은 것은 아니다. 예술기업은 매출, 고용, 투자, 시장 확장으로 성장할 수 있다. 반면 미술은 작업의 밀도, 형식의 진전, 비평적 해석, 전시의 축적, 작품 자료의 정리, 국제적 참조 가능성, 미술사적 위치의 형성을 통해 성장한다.
 
공공지원정책은 이 차이를 구분해야 한다. 예술기업 지원은 필요할 수 있다. 그러나 그것이 동시대 미술 지원정책의 중심이 되어서는 안 된다. 정책의 핵심은 기업의 지속 성장 가능성만이 아니라, 작가와 작품의 장기적 성장 가능성을 함께 살피는 데 있어야 한다.
 
정책이 예술기업의 성장을 예술 생태계의 성장으로 곧바로 간주하면, 미술은 기업 활동의 결과로 이해되기 쉽다. 그러나 미술은 기업의 하위 영역이 아니다. 미술은 미술 고유의 생산 조건과 평가 기준, 기록 체계, 비평적 언어를 필요로 한다.
 
 
시장 이전의 판단이 공공정책의 역할이다
 
“첫째는 고객·시장·경쟁에 대한 이해다.”
 
고객, 시장, 경쟁은 사업 모델을 설계하는 데 필요한 언어다. 그러나 동시대 미술 지원정책이 이 언어에서 출발하면 미술의 가치 판단은 시장 관계 속으로 과도하게 끌려 들어간다.
 
미술에는 고객의 반응 이전에 필요한 판단이 있다. 어떤 작가가 장기적으로 연구되어야 하는가. 어떤 작품이 당대의 감각과 사고를 새롭게 조직하는가. 어떤 전시가 기록으로 남아야 하는가. 어떤 작업이 아직 시장의 언어로 포착되지 않았지만 미술사적 의미를 가질 수 있는가. 이러한 판단은 고객·시장·경쟁 분석만으로 해결되지 않는다.
 
공공지원정책은 시장이 아직 충분히 알아보지 못한 가치를 발견하고, 그것을 기록하고, 해석하고, 사회적 자산으로 축적하는 역할을 수행해야 한다. 시장이 이미 반응한 예술을 확산하는 일은 민간도 할 수 있다. 공공정책의 역할은 시장 이전의 가치 판단과 기반 구축에 있다.
 
동시대 미술의 세계화는 고객 분석에서 출발하지 않는다. 그것은 작가와 작품의 의미를 판단하고, 기록하고, 해석하고, 국제적으로 전달할 수 있는 구조에서 출발한다.
 
 
전시는 프로토타입이 아니다
 
“예술 분야에서는 시제품 대신 파일럿 전시, 쇼케이스, 워크숍, 테스트 프로그램, 초기 협업 프로젝트 등도 프로토타입이 될 수 있다.”
 
전시를 프로토타입으로 이해하는 방식은 창업 방법론 안에서는 편리한 설명일 수 있다. 그러나 동시대 미술의 전시를 사업 모델의 시험 단계로만 읽으면, 전시가 갖는 미학적·비평적·역사적 의미는 축소된다.
 
전시는 단순한 테스트가 아니다. 전시는 작가의 작업 세계가 공간 안에서 구성되고, 작품들이 서로 관계를 맺고, 관객과 비평이 발생하며, 동시대적 의미가 형성되는 장소다. 전시를 프로토타입으로만 보면 전시 이후 남아야 할 기록과 해석의 문제가 사라진다.
 
공공지원 전시는 종료와 함께 사라져서는 안 된다. 작품 이미지, 설치 전경, 전시 서문, 작가 인터뷰, 비평문, 참여 작가 자료, 관람 기록, 보도 자료가 체계적으로 아카이브되어야 한다. 전시는 끝나도 기록은 남아야 한다. 이 기록이 쌓여야 작가와 작품이 장기적으로 성장한다.
 
전시를 프로토타입으로 보는 순간, 전시는 미학적 사건이 아니라 사업 검증의 장에 가까워진다. 그러나 전시는 작가와 작품의 의미가 발생하고 축적되는 공적 장소다. 공공지원정책은 전시를 실험 결과로 소비하기보다, 미술사의 자료로 남기는 구조를 마련해야 한다.
 
 
포트폴리오보다 필요한 것은 작가 아카이브다
 
“포트폴리오는 이러한 제안서의 기반이 되는 자료다. 이는 이력의 나열이 아니라 작가나 기획팀이 어떤 작업을 축적해 왔고 어떤 방식으로 프로젝트를 발전시켜 왔는지를 보여주는 핵심 사례의 정리라고 볼 수 있다.”
 
이 대목은 중요한 지점에 가까이 간다. 포트폴리오를 단순 이력의 나열이 아니라 작업의 축적과 발전 과정을 보여주는 자료로 이해하는 것은 타당하다. 그러나 여기에서 더 나아가야 한다. 작가에게 필요한 것은 제안서용 포트폴리오만이 아니다. 작가의 작업 세계를 장기적으로 관리하는 공식 아카이브가 필요하다.
 
포트폴리오는 특정 제안이나 공모를 위해 재구성되는 자료다. 반면 작가 아카이브는 작가의 전체 작업 세계를 지속적으로 축적하는 기반이다. 작품 이미지, 작품 정보, 전시 이력, 출판 이력, 소장 정보, 비평 텍스트, 인터뷰, 설치 전경, 작가 노트, 영문 자료가 하나의 구조 안에서 관리되어야 한다.
 
한국 동시대 미술의 세계화를 위해 필요한 것은 개별 제안서의 완성도가 아니라, 작가별 공식 자료가 국제적으로 접근 가능한 방식으로 구축되는 것이다. 해외 큐레이터, 미술관, 갤러리, 연구자, 아트미디어가 작가의 작업을 신뢰할 수 있는 자료를 통해 확인할 수 있어야 한다. 이 기반이 없으면 글로벌 프로모션은 지속되기 어렵다.
 
 
성과 지표 이전에 작품 데이터가 있어야 한다
 
“데이터를 제시할 때는 프로젝트의 성격과 목적에 맞는 지표를 설정하는 것이 가장 중요하다.”
 
데이터와 지표는 필요하다. 그러나 이 인터뷰에서 말하는 데이터는 주로 프로젝트 성과를 보여주는 지표에 가깝다. 관객 반응, 참여자 반응, 협업 기관 평가, 추가 전시나 협업 사례, 언론 보도, 성장 과정 타임라인, 협업 구조 등이 성과 자료로 제시된다.
 
동시대 미술에서 더 기초적인 데이터가 있다. 작품명, 제작연도, 재료, 크기, 이미지, 설치 전경, 작품 설명, 전시 이력, 소장 이력, 출판 이력, 비평 텍스트, 작가 인터뷰, 이미지 크레딧, 저작권 정보, 영문 자료가 그것이다. 이것이 작가와 작품을 장기적으로 관리하는 핵심 데이터다.
 
성과 지표 이전에 작품 데이터가 있어야 한다. 홍보 지표 이전에 작가 아카이브가 있어야 한다. 관객 반응 이전에 작품이 정확히 기록되어야 한다. 공공지원정책이 데이터화를 말하려면 먼저 동시대 미술의 기본 데이터 인프라를 구축해야 한다.
 
지금 필요한 것은 단기 성과를 시각화하는 인포그래픽만이 아니라, 한국 동시대 미술의 작품과 작가를 장기적으로 관리하는 공적 데이터 시스템이다.
 
 
기업 협업은 예술의 목적이 될 수 없다
 
“대기업이나 공공기관과의 협력에서 중요한 점은 후원이나 지원을 요청하는 관계가 아니라 서로 어떤 가치를 주고받을 수 있는지를 함께 설계하는 것이라고 생각한다.”
 
상호 호혜적 협력은 중요하다. 예술과 기업, 예술과 공공기관이 일방적 후원 관계를 넘어 새로운 협업 구조를 만들 수 있다면 긍정적이다. 그러나 여기서도 예술은 주로 기업이나 기관에 제공할 수 있는 새로운 시각, 경험, 메시지, 차별점으로 설명된다.
 
공공지원정책의 관점은 달라야 한다. 예술이 기업에 무엇을 줄 수 있는가를 묻기 전에, 공공정책은 예술이 스스로의 기준과 가치를 형성할 수 있도록 무엇을 제공해야 하는가를 물어야 한다. 기업 협업은 예술의 확장 방식 중 하나일 수 있지만, 예술의 존재 이유가 될 수는 없다.
 
한국 동시대 미술 지원정책에서 필요한 것은 기업 협업을 배제하는 일이 아니다. 오히려 협업을 가능하게 하되, 그 출발점을 예술의 자율적 가치와 작품의 구조 위에 두는 일이다. 그래야 기업 협업도 단순한 콘텐츠 활용이나 이미지 소비가 아니라, 예술의 사회적 확장으로 기능할 수 있다.
 
 
프로그램 중심 지원에서 인프라 중심 정책으로
 
“결국 평가는 예술적 아이디어의 독창성뿐 아니라, 그 아이디어가 만들어낼 가치와 실행 구조, 그리고 기업의 지속 성장 가능성이 어떻게 연결되는지를 종합적으로 살펴보는 방식으로 이루어진다.”
 
이 문장은 현행 지원정책이 무엇을 평가 대상으로 삼고 있는지를 보여준다. 독창성은 언급되지만, 최종적으로는 가치 제안, 실행 구조, 기업의 지속 성장 가능성이 핵심 평가 대상으로 제시된다. 여기서 다시 질문해야 한다. 공공 미술지원정책의 평가 기준은 기업의 지속 성장 가능성인가, 작가와 작품의 장기적 성장 가능성인가.
 
 
“창작자 역시 보다 안정적인 환경에서 작업에 집중할 수 있게 된다.”
 
이 기대 역시 같은 맥락에서 살펴볼 필요가 있다. 예술기업 지원사업이 창작자의 안정적 작업 환경으로 이어질 가능성은 있다. 그러나 그 연결은 자동적으로 성립하지 않는다. 예술기업이 성장한다고 해서 작가의 작품이 더 깊어지는 것은 아니다. 기획과 유통 조직이 늘어난다고 해서 전시 기록과 비평이 자동으로 축적되는 것도 아니다. 창업 생태계가 활성화된다고 해서 미술적 성취가 자연스럽게 축적되는 것도 아니다.
 
따라서 한국 동시대 미술 지원정책은 질문을 조금 더 넓혀야 한다. 예술을 어떻게 창업시킬 것인가에 더해, 좋은 미술을 어떻게 성장시킬 것인가를 물어야 한다. 예술가를 어떻게 피칭하게 할 것인가에 더해, 작가와 작품을 어떻게 기록하고 해석할 것인가를 물어야 한다. 콘텐츠를 어떻게 확산할 것인가에 더해, 세계 미술계가 참조할 수 있는 생산 인프라를 어떻게 구축할 것인가를 함께 물어야 한다.
 
 
 
이 방향은 몇 가지 정책적 보완으로 구체화될 수 있다.
 

첫째, 작가 디지털 아카이브 구축 지원이 필요하다.
 
작품, 전시, 비평, 인터뷰, 이미지, 활동 기록을 작가별 공식 온라인 아카이브로 구축해야 한다. 이는 단순 홈페이지 제작이 아니라 작가의 작업 세계를 장기적으로 관리하는 디지털 카탈로그 레조네의 기초가 되어야 한다.
 
 
둘째, 작품 데이터 표준화 지원이 필요하다.
 
작품명, 제작연도, 재료, 크기, 이미지 크레딧, 전시 이력, 소장 이력, 출판 이력, 저작권 정보가 국제 기준에 맞게 정리되어야 한다. 동시대 미술의 세계화는 작품 데이터의 정확성에서 출발한다.
 
 
셋째, 공공지원 전시 아카이브 의무화가 필요하다.
 
공공지원금을 받은 전시는 종료 후 설치 전경, 작품 정보, 작가 자료, 전시 서문, 비평 텍스트, 보도 자료를 디지털 기록으로 남겨야 한다. 전시가 끝난 뒤 자료가 사라지는 구조에서는 미술사가 축적될 수 없다.
 
 
넷째, 작가론·비평·번역 지원이 필요하다.
 
작품은 이미지로만 전달되지 않는다. 작가의 작업 세계를 설명하는 비평 언어와 국제적으로 읽힐 수 있는 영문 자료가 필요하다. 한국 동시대 미술의 세계화는 번역 이전에 해석을 필요로 한다.
 
 
다섯째, 글로벌 프로모션 시스템 구축이 필요하다.
 
작가 자료가 정리된 뒤에는 그것을 해외 큐레이터, 미술관, 갤러리, 비평가, 아트미디어에 지속적으로 전달하는 구조가 필요하다. 콘텐츠 경쟁력은 홍보 기술에서 나오지 않는다. 콘텐츠 경쟁력은 생산 인프라, 비평, 아카이브, 번역, 글로벌 배포 구조가 결합될 때 만들어진다.
 

미술지원정책은 미술가에게 시장의 언어를 가르치는 정책에 머물러서는 안 된다. 미술지원정책은 시장이 아직 충분히 포착하지 못한 예술적 가치를 보호하고, 기록하고, 해석하고, 사회적 자산으로 축적하는 정책이어야 한다. 미술품의 상품화 가능성을 이유로 미술가를 상품 생산자로 훈련시키는 것은 순수미술 지원정책의 방향과 맞지 않는다.
 
아티스트는 기업가가 아니다. 미술지원정책의 목적은 미술가를 창업가로 훈련시키는 데 있지 않다. 그 목적은 작품이 생산되고, 기록되고, 해석되고, 국제적으로 참조될 수 있는 기반을 만드는 데 있다. 미술품은 시장에서 거래될 수 있지만, 미술의 가치는 시장의 언어만으로 발생하지 않는다. 이 차이를 분명히 인식할 때, 한국 동시대 미술 지원정책은 글로벌 시대에 맞는 새로운 전환을 이룩해 갈 수 있다.

김종호는 홍익대 예술학과 졸업 및 동대학원에서 예술기획을 전공하였다. 1996-2006년까지 갤러리서미 큐레이터, 카이스갤러리 기획실장, 아트센터나비 학예연구팀장, 갤러리현대 디렉터, 가나뉴욕 큐레이터로 일하였고, 2008-2017까지 두산갤러리 서울 & 뉴욕, 두산레지던시 뉴욕의 총괄 디렉터로서 뉴욕에서 일하며 한국 동시대 작가들을 현지에 소개하였다.

2017년 귀국 후 아트 컨설턴트로서 미술교육과 컬렉션 컨설팅 및 각 종 아트 프로젝트를 진행하였으며 2021년 에이프로젝트 컴퍼니 설립 후 한국 동시대 미술의 세계진출을 위한 플랫폼 K-ARTNOW.COM과 K-ARTIST.COM 을 운영하고 있다.